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Megadrums - Schinore
''Flatischlers Rhythmuswelten kann man nur wärmstens empfehlen!'' (JazzPodium, 01/94)
Megadrums - Transformation
''Sie werden dieser natürlichen Spannung nicht wiederstehen können.'' (Stereo)
Astor Piazzolla - Live In Colonia, 1984
Der Revolutionär des Tangos, Astor Piazzolla, schon zu Lebzeiten eine international gefeierte Größe, ist für uns zum Inbegriff und Ausdruck lateinamerikanischer Rhythmik, Tanz und Leidenschaft geworden. Tango ist nicht nur der Tanz, der einst von der Bourgeoisie verpönt, in den Hafenkneipen der Vorstädte und Armenviertel Buenos Aires’ getanzt wurde, und dann von Astor Piazzolla reformiert, weltweit Eingang in die größten Konzerthäuser fand – Tango ist ein Lebensgefühl. Astor Piazzollas Tangomusik stellte für viele Musiker von Anfang an eine bedeutende Inspirationsquelle dar. 1981 durfte Piazzolla noch erleben wie sein Libertango in der Version I’ve Seen That Face Before von Grace Jones zum Hit der Deutschen Popcharts aufstieg. 20 Jahre später tanzt man in den angesagtesten Clubs und Diskotheken der Welt zur Electronica-Version des Piazzolla –Liedes Sur: Regreso al amor der Gruppe Gotan Project. Der ebenfalls in Argentinien geborene Giora Feidman, Klarinettist und Klezmer König, arrangierte Piazzolla-Tangos für großes Streichorchester, auch Geiger Gidon Kremer, Cellist Yo-Yo Ma, Pianist & Dirigent Daniel Barenboim sowie das Kronos Quartet entdeckten den „Klassiker“ Astor Piazzolla für ihr Repertoire. Inzwischen ist Astor Piazzollas Werk weltweit durch eine ganze Reihe von Bearbeitungen und Arrangements gewürdigt worden, darunter populäre Interpretationen der italienischen Songdiva Milva, aber auch jazzige Arrangements von Chick Corea, Gerry Mulligan, Gary Burton und Richard Galliano. Selten konnte sich ein Komponist des 20. Jahrhunderts einer vergleichbaren, Sparten übergreifenden Rezeption erfreuen – Piazzollas Musik fand Eingang in die Popmusik, Folklore, den Jazz und der Klassik. Nach Jahrzehnten der weltweiten Tango-Rezeption ist der jetzige Fund aus dem Rundfunkarchiv der Deutschen Welle umso erfreulicher. Live in Colonia 1984 ist eine echte Entdeckung, ein Konzertmitschnitt der Deutschen Welle aus dem Kölner Sendesaal von 1984 mit dem originalen Quinteto Tango Nuevo, das sich aus den Weltklassemusikern Pablo Ziegler (piano), Fernando Suárez Paz (violin), Oscar Lopez Ruiz (guitar), Héctor Console (double bass) und Astor Piazzolla (bandoneon) zusammensetzt. Dies bedeutet Musik jenseits der argentinischen Kaschemmenmelancholie, hochgeschlitzter Stöckelbeine und verschränkter Tanzkörper, Tango, der auch nichts zu tun hat mit den oftmals unsäglich banalen Anschleichmelodien europäischer Prägung. „Dies ist die Musik Argentiniens, der Stadt Buenos Aires – der neue Tango, den wir in gleicher Besetzung mit diesem Quintett 1960 begonnen haben zu spielen und den wir bis heute spielen, nunmehr fast 25 Jahre lang. 1960 verstand noch niemand die Musik, die ich machte, weil es ‚verrückte’ Musik war – nicht der traditionelle Tango, nicht der altmodische Tango, den jeder kannte. Dabei war es lediglich der Versuch, gute Musik zu spielen, die Essenz meines Landes und in erster Linie die der Stadt Buenos Aires. Wir hatten eine Menge Schwierigkeiten, denn 1960 verstanden die Leute dies nicht. Bis heute, 1984, verstehen sie nicht, was wir tun.“ Als sich Astor Piazzolla am 14. November 1984, dem letzten Tag seiner Europa-Tournee, im Rahmen des Deutschen Welle-Konzerts in Köln mit diesen Worten an sein Publikum wendet, liegen hinter ihm und seinem Quinteto mehr als 30 Konzerte in den großen Häusern der Metropolen Europas. Allesamt ausverkauft. Die vermeintliche Ironie seiner Worte liegt an der Tatsache, dass er einerseits seit den 60ern international als bekanntester Tangokomponist und Bandoneon-Virtuose verehrt wird, jedoch andererseits in seiner Heimat Argentinien, der Wiege des Tangos, man ihn aus heutiger Sicht kaum mehr vorstellbar als Verräter beschimpfte. Die „linientreuen“ tanguéros seiner Heimat befürchteten durch ihn die Zerstörung des Tangos. „Das war die Zeit“, erklärt er dazu in einem Interview, „in der der Tango in Argentinien ohnehin im sterben lag; 1954 oder ’55 kam der Rock’n Roll ins Land, und die jüngeren Generationen fanden die Musik eines Elvis Presley oder Bill Haley wesentlich aufregender als den alten Tango, der sich seit 40 oder 50 Jahren nicht mehr verändert hatte. […] Und dann kam ich auch noch.“ In den Augen der Leute brachte Piazzolla das bisschen Tradition, das noch nicht von modernen Einflüssen bedroht oder überrannt wurde, durcheinander. „Es war ein sentimentales Problem. Ich nahm ihnen ‚ihren’ Tango weg.“ Dabei hatte Piazzolla in jungen Jahren zunächst ganz andere Pläne, als sich ausgerechnet mit Tango auseinanderzusetzen. Zwar hatte er mit acht Jahren, als die Familie noch in New York lebte, von seinem Vater ein Bandoneon geschenkt bekommen, doch galt Astor Piazzolllas erste musikalische Liebe den Werken von Bach. Ein Interesse, das durch den damaligen Unterricht bei dem ungarischen Pianisten und Rachmaninoff-Schüler Bela Wilda geweckt wurde und ihn Zeit seines Lebens nicht mehr los ließ. Zwei Jahre später konnte er bei einer amerikanischen Filmproduktion mit dem namhaften argentinischen Sänger Carlos Gardel mitwirken. In dieser Zeit begann der junge Piazzolla sich auch vermehrt für den Jazz zu begeistern. Erst 1936, als die Familie und mit ihr Astor Piazzolla nach Argentinien zurückkehrte, entbrennt seine Leidenschaft für den Tanz im 2/4- und 4/8 Takt. Er wird Mitglied im bedeutendsten Tango-Ensemble der damaligen Zeit, Anibal Tróitos Orquesta Tipica, das so manche prominente Größe des Genres hervorbrachte. Erst 1944 verließ er nach acht Jahren das Orchester, um eine eigene Formation nach traditionellem Vorbild zu gründen. Etwa zeitgleich begann er ein Studium der klassischen Komposition bei Alberto Ginastera und wandte sich vermehrt symphonischen Kompositionen zu. Eines dieser Werke brachte ihm 1954 ein von der französischen Regierung ausgeschriebenes Stipendium ein – noch im selben Jahr ging er nach Paris zu Nadia Boulanger, einer der renommiertesten Kompositionslehrerinnen ihrer Zeit, um sein Studium der klassischen Musik zu vervollkommnen. Ironischerweise sollte dieser Höhepunkt seiner Auseinandersetzung mit der Klassik für Piazzolla zum eigentlichen Einstieg in seine Arbeit am Tango Nuevo werden. Als er nach Vorlage seiner Kompositionsskizzen auf ausdrücklichen Wunsch Nadia Boulangers einen seiner Tangos vorspielt, soll sie laut Piazzolla bemerkt haben: „Das ist deine Musik, all das andere Zeug kannst Du wegwerfen.“ Was er dann auch tat. Von Null beginnend konzentrierte sich Piazzolla in der Folge darauf, seine stärksten Einflüsse – die der Klassik und des Jazz – mit seinem natürlichen Idiom zu verbinden, einen neuen Tango zu erschaffen. Piazzolla hatte seine wahre Domäne gefunden; der Tango Nuevo war geboren. Wieder zurück in Argentinien gründet er 1960 die Ur-Besetzung des Quinteto, einer Formation, die über 20 Jahre bestand hatte und, mehr und mehr den Unterschied von E- und U-Musik nivellierend, den Tango Nuevo entscheidend mit prägte. Bezeichnend für die Formation des Quinteto ist neben der traditionellen Besetzung mit Bandoneon, Geige und Kontrabass, die Hinzunahme von Klavier und E-Gitarre. Eine Formation, mit der Piazzolla bis in die 80er konzertierte, so auch bei dem Mitschnitt aus Köln von 1984. "Live in Colonia 1984", ein einzigartiges Zeitdokument, ist erstmals als Tonträger erhältlich. Ein Doppelalbum, das sowohl in klang-technischer wie auch musikalischer Hinsicht ein Hightlight in Piazzollas Repertoire darstellt. Im Konzertprogramm findet man neben den großen Piazzolla-Klassikern wie dem Nachruf zu Piazzollas Vater Adiós Noniño, der Anfang der 60er entstandenen Suite del Ángel, ein Werk von wahrhaft bachscher Größe und Titeln wie Mumuki oder Chin-Chin sogar vier Weltersteinspielungen, Biyoya, Caliente, Lunfardo und Contraataque. Dieses Konzert beweist wieder einmal mehr die Einzigartigkeit des Maestros des Tango. Hier können Sie reinhören und das komplette Album als mp3 kaufen.
Accordion Tribe - Sea of Reeds
Das Akkordeon boomt! An allen Ecken, geographischen wie musikalischen, taucht das lange vernachlässigte Allround-Instrument auf. Seit ihrer ersten Tour als Accordion Tribe im Jahre 1996 gilt diese Formation der Superlative als Garant für musikalische Verve, Melodienseligkeit, sowohl für verhangene Melancholie wie für forschende, suchende Klänge. Orientierte sich die erste Veröffentlichung mit großem Erfolg noch dezidiert am Live-Material der damaligen Tour, so stellt das langerwartete, aktuelle Album „Sea of Reeds“ ein ausgemachtes Studio-Album (aufgenommen in Lars Hollmers berühmtem „Chicken House“ in Uppsala, Schweden) dar. Hier konnte The Tribe das ganze Spektrum der kompositorischen Einfälle und ihrer virtuosen Umsetzung ausloten und ausspielen. Herausgekommen ist ein Klangbogen (in wechselnden Besetzungen) der folkloristisch Volksliedhaftes („Silvia’s Tongue“), Tangovariationen („Tangocide“), Walzerabgesänge, nordisch („Pas du valse“) umfasst. Trotz der bewusst unterschiedlichen Stile ist ein erstaunlich homogenes und dabei sehr reiches Album entstanden. Der ganze Kosmos des Akkordeons tut sich hier auf. Hier können Sie reinhören und das komplette Album als mp3 kaufen.
Maria Kalaniemi - Bellow Poetry
Maria Kalaniemi, die Königin des finnischen Knopf-Akkordeons, veröffentlicht ihr erstes, international erscheinendes Solo-Album Bellow Poetry. Bellow Poetry zeigt Kalaniemi, deren 20jährige Karriere eine Vielzahl von Duett-, Trio- und Ensemble-Auftritten, Projekten und Kollaborationen, oftmals mit komplizierten Arrangements, aufweist, in ihrer reinsten Form: sie und ihr Instrument in einer zwanglosen persönlichen solistischen Umgebung. Nach den Alben Maria Kalaniemi, Iho, Ahma, Ramunder, Ambra, Trio Live in Tokyo und Airbow ist Bellow Poetry das Album, das das Wesen von Maria und ihrer Musik in all ihrer melodischen Einfachheit enthüllt. Bellow Poetry wurde 2005 in Marias Heimatstudios zusammen mit Toningenieur Olli Varis aufgenommen, der bei zwei Stücken auch die Gitarrenbegleitung übernommen hat. Ein weiteres herausragendes Merkmal diverser Stücke auf diesem Album ist Marias Gesang, der zuvor nur bei Projekten wie Accordion Tribe, Ramunder und Pidot zu hören war. Die Anregungen zu Marias Kompositionen und Interpretationen auf Bellow Poetry stammen von Runengesängen aus dem Kalevala-Epos, Hirtenmusik und finnischen Zigeunerweisen. Meditative und improvisierende Themen werden auf einem der ausdrucksvollsten Instrumente der Welt von einer der ausdrucksstärksten Spielerinnen der Welt erforscht. “Man würde wohl lange – und vermutlich ergebnislos – suchen, um jemanden zu finden, der es auf dem Akkordeon zu ähnlich exorbitanter Ausdruckskraft wie sie gebracht hat, von Astor Piazzolla vielleicht abgesehen...Es ist eine archaische Musik, die von weit her zu rufen scheint und doch immerdar Gültigkeit haben wird...Akkordeon pur, geradezu magisch intensiv und grenzenlos frei...“ (Peter Bickel, Stereo 2/2006 – CD des Monats / MUSIC-CHECK 5 Sterne – HIFI-CHECK 4 Sterne) Hier können Sie reinhören oder direkt das komplette Album als mp3 kaufen.
Megadrums - Transformation
MEGADRUMS – dieser Begriff steht spätestens seit der triumphalen Tournee des "großen Ensembles" im Jahre 1995 für musikalische Erlebnisse der Sonderklasse. Multinstrumentalist, Komponist und MEGADRUMS-Initiator Reinhard Flatischler arbeitet schon seit Mitte der 80er Jahre als Botschafter der "Weltsprache Rhythmus" und führt seither die besten Vertreter der schlagenden Zunft in wechselnden Besetzungen auf der Bühne und im Studio zusammen. Ergebnis war stets grenzüberschreitende Musik von außergewöhnlichem Charakter – bei näherer Betrachtung kein Wunder; immerhin begegnen sich bei den MEGADRUMS-Projekten seit jeher Musiker der unterschiedlichsten Kulturkreise, um gemeinsam Neues zu schaffen. So entstand und entsteht in diesem Rahmen immer wieder fesselndes Repertoire, wie es zuvor noch kaum je an einem Ort der Erde zu hören gewesen sein dürfte. Flatischlers Vision, Rhythmus mit seiner Ausdrucksvielfalt und mit seiner elementaren Kraft ins Zentrum der musikalischen Gestaltung zu stellen, hat inzwischen längst seine eigene Dynamik entwickelt. Was in den 80ern als Idee eines einzelnen begann, ist inzwischen zum gemeinsamen Gut der beteiligten Musiker gewachsen – ein organisch gewachsenes Gebilde, das an Originalität, Vielschichtigkeit und musikalischer Magie schwer zu übertreffen ist
Barbara Thompson - Heavenly Bodies
Barbara Thompson über Heavenly Bodies: "Dies ist ein wichtiges Album für mich. Es repräsentiert zweieinhalb Jahre der Gewissenserforschung und des Experimentierens, die in einem breiteren und orchestralen Konzept gipfelten. Die Verwendung von echten Streichern und Bläsern war ein Vergnügen, da ich mich immer als Komponist/Musiker und nicht als Musiker/Komponist gesehen habe. Ich habe mich dafür entschieden, Schlagzeug statt Trommeln zu verwenden und den Großteil des rhythmischen Interesses auf andere Instrumente zu übertragen. Ich webe meine eigenen Improvisationen in die Komposition ein, und es gibt auch improvisierte Soli von Peter Lemer und Paul Dunne. Die Inspiration für die Appia Suite stammt von fünf Gemälden des Schweizer Künstlers Dominique Appia. Die vielschichtige Fantasie, der Humor und die Schönheit seiner Werke faszinierten mich, und ich spürte sofort, dass die Bilder in musikalischer Hinsicht zum Leben erwachen würden. Ich habe seine Wiederholung von kleinen Motiven und Details in der Einführung von wiederkehrenden musikalischen Brücken und Themen aufgegriffen. In diesen Kompositionen ist der Raum und die Schönheit von entscheidender Bedeutung; ich möchte, dass man dieses Album zu jeder Tages- und Nachtzeit abspielen kann und Musik findet, die zur eigenen Stimmung passt." ''Bizarre Stimmungen! B.T. zeigt sich von ihrer ehrgeizigsten Seite!'' (HIfiVision, 02/87)
Astor Piazzolla - 57 Minutos Con La Realidad
Piazzollas letzte Aufnahmen meisterhaft zusammengestellt und editiert von seinem Lieblingsproduzenten Kip Hanrahan. Die Vollendung seines definitiv letzten Albums konnte der argentinische Bandoneon-Meister Astor Piazzolla nicht mehr miterleben. 1989 erlitt er, kurz nachdem er einen Teil des neuen Materials aufgenommen hatte, einen Schlaganfall, an dessen Folgen er 1992 starb. Es sind Kleinode, die geheimnisvolle Nachtimpressionen zwischen Ruhe und Raserei einzufangen scheinen. Vor seinem Tod besprach Piazzolla noch Details von Abmischung und Überarbeitung mit dem Produzenten Kip Hanrahan; der Torso wird hier auf Piazzollas Wunsch mit Ausschnitten aus einem seiner letzten Konzerte ergänzt. Piazzollas Testament wäre ein Konzeptalbum geworden, wäre er noch spielfähig gewesen. Doch auch in dieser Form läßt es nichts von der aufwühlenden Dringlichkeit des großen „Tango-Nuevo"-Komponisten missen.
Sebastian Sternal & hr-Bigband - Turning Point
Für den dreifachen ECHO-Jazz-Preisträger Sebastian Sternal schließt sich mit seiner frisch eingespielten Aufnahme „Turning Point“ ein Kreis. Gleichzeitig beschreitet der Pianist als Komponist und Arrangeur der erstklassigen hr-Bigband für dieses aktuelle Projekt einmal mehr neue Wege. Er leitet das Ensemble vom Klavier aus, lässt die herausragenden Solisten der Band ausführlich zu Wort kommen – und hat Ihnen die neuen Kompositionen geradezu auf den Leib geschrieben. Das beständige Ausloten feinjustierter Wendungen in seiner Komponistensprache hat bei ihm Tradition. Bereits seit mehr als zwei Dekaden legt der in Köln und Paris ausgebildete Musiker ein nunmehr in sich geschlossen wirkendes Werk voller Kontraste vor. Den ersten Trio-Alben (ab 2009) ließ er mit seiner preisgekrönten „Symphonic Society“ (ab 2012) beinahe orchestral anmutende Exkursionen auf Plattenlänge folgen, um anschließend mit einem intensiven Solo-Album (2022) zur kleinstmöglichen Form des Musikschaffens zurückzukehren. „Turning Point“ bündelt diese Vielfalt fraglos strukturell und konzeptionell zum bisherigen Höhepunkt seines Schaffens. Mit 14 Jahren schrieb der Jazzbegeisterte sein erstes Bigband-Arrangement. Der Zufall ließ Peter Herbolzheimer die Notenblätter des Nachwuchsarrangeurs studieren. Herbolzheimer sprach prompt eine Einladung zur kurzfristigen Teilnahme an der nächsten Arbeitsphase des Bundesjugendjazzorchesters aus. Sternal konnte dabei sein Arrangement nicht nur live gespielt hören, sondern anschließend von vielen Hinweisen des erfahrenen Band-Leaders profitieren. Das Thema Bigband ließ ihn über viele Jahre nicht los – und mündet nun in das Album „Turning Point“. Begeistert ist Sternal von den beiden großen Bigband-Traditionslinien, sowohl vom packenden, bluesigen Sound eines Count Basie oder Thad Jones wie auch vom orchestralen Farbenreichtum eines Duke Ellington oder Gil Evans. Basies Geist winkt prompt freundlich zustimmend in das Eröffnungsstück „Play“ hinein. Als Entree in „Turning Point“ ist die Nummer klug platziert. Das Zusammenspiel der hr-Bigband-Musiker und Sternal stellt darin zunächst voller spürbarer Begeisterung den Klangkörper vor, der in den folgenden 55 Minuten Spielzeit das Programm bestimmt. Die Lebendigkeit nimmt in der nachfolgenden Komposition „Elegy“ veränderliche Gestalt an. Deren Anfang wird nur von feinen Klavier- und Schlagzeug-Klängen bestimmt. Gleich im Anschluss rückt die Band zur vollen Entfaltung inklusive frei improvisierter Passagen auf, bevor das Geschehen erneut ins Pianissimo übergeht. Das Spiel mit Dynamiken bricht Formen auf, Klangfarben werden erst ausgelotet, dann feinsinnig vermengt. Von Haus aus Pianist, wahrt Sternal natürlich den Blick aus der Rhythmusgruppe heraus auf die Big Band. Da Sternal auch Saxofon studiert hat, öffnet er auch viele Räume innerhalb der Kompositionen für die Reed-Spezialisten der hr-Bigband. Weite Teile der „Turning Point“-Stücke gestaltete er allerdings hauptaugenmerklich für kerndefinierende Blechblasinstrumente, sprich Posaunen und Trompeten, deren packender Sound ihn fasziniert. Eine treibende, groovende Basslinie steht am Anfang von „Friedkin“ (dem Regisseur William Friedkin gewidmet), bevor Bariton-Sax, Posaune, Alto-Sax und Schlagzeug das Eingangsmotiv solistisch ausweiten. Natürlich und selbstverständlich klingt der Flow dieser Musik – Improvisation und Komposition greifen organisch ineinander. Die hr-Bigband erweist sich als perfektes Ensemble mit unglaublicher Intensität und großartiger Spielfreude ihrer Solisten. Live im Studio, unter Berücksichtigung aller Nuancen und Klangdetails, wurde das gut einstündige Album beim Hessischen Rundfunk in Frankfurt geprobt und eingespielt. Im Anschluss mischten Sternal und der Tonmeister Christian Heck das Material in Köln, bevor das Mastering in New York unter der Ägide von Randy Merrill stattfand, der bereits die letzten Alben von Bigband-Spezialist Darcy James Argue und Pop-Musikerin Taylor Swift masterte. Das viel investierte Herzblut zahlt sich hinsichtlich des zugänglichen Erzählstrangs der Platte aus. „Turning Point“ folgt dem übergeordneten Wendepunkt-Gedanken in vielerlei Hinsicht – persönlich, gesellschaftlich, politisch. Mal meint „Turning Point“ den Blick zurück auf etwas Dagewesenes, den Verlust eines Menschen oder stabil geglaubter gesellschaftlicher Strukturen („Elegy“ oder „Lament“ – eine Hommage an Buxtehudes berühmtes „Klag-Lied“). Dann wieder richtet die Musik im übertragenen Sinne den Fokus geradeaus ins „Tomorrowland“. Oder sie ist im Hier und Jetzt und feiert den Moment („Play“, „Red Beat“). Mit „Turning Point“ resümiert Sebastian Sternal somit treffsicher seine grundlegende Musiker- und Komponistenselbstauffassung. Er schließt einen Kreis und öffnet gleichzeitig einen neuen.
Barbara Thompson's Paraphernalia - A Cry From The Heart
Eine perfekt eingespielte Band wie Barbara Thompson´s Paraphernalia hat auch live keine Probleme, die Hörer mit zu reißen - im Gegenteil. Fans der Band und ihrer Leaderin sind dankbar für die Tatsache, dass das Konzert in London 1988 mit geschnitten wurde. Thompson zelebriert ihren typischen Sound an diversen Saxophonen und Flöten kraftvoll und souverän und wird dabei von den treibenden Grooves ihres Ehemannes und Schlagzeugers kongenial unterstützt. Alle ihre selbst komponierten Stücke werden von einer starken Melodie getragen, die im Ohr haften bleiben. Und ihre Band ist in der Lage, die Dynamikwechsel mit zu tragen und feine Nuancen heraus zu arbeiten.
Megadrums - Terra Nova
Ensemble und Repertoire der gefeierten Europa-Tournee im Herbst 1999 als Studioaufnahme. Erstmals verstärkt durch Stephen Kent am Didgeridoo zeigt sich Megadrums einmal mehr in meisterlicher Form: Ob (be)sinnlich und meditativ oder komplex und packend; die Rhythmen, die die Megadrums-Besatzung auf 'Terra Nova'' webt, sind ein eindrucksvolles, labyrinthisches Gebilde, dass man als Hörer gern betritt. Unerwartete Abzweigungen, kurvige Gänge, gewaltige Kavernen und heilige Stätten – all das hat "Terra Nova" zu bieten. Das Abenteuer geht weiter; wie gewöhnlich ungewöhnlich.
Abdullah Ibrahim & Ekaya - Sotho Blue
Der Begriff Legende wird in unseren prosaischen Zeiten nur allzu inflationär gebraucht. Auf den südafrikanischen Jazzpianisten Abdullah Ibrahim trifft er jedoch in jeder Hinsicht zu. Denn der Hüne, dessen Blick auch mit Mitte siebzig noch nichts von seiner adlerhaften Schärfe verloren hat, erzählt nicht nur Geschichten mit seiner Musik, er verkörpert lebendige Geschichte. Abdullah Ibrahim verströmt eine Aura von unangreifbarer Ewigkeit. Als Adolphe Johannes Brand 1934 in Kapstadt geboren, arbeitete er ab 1949 unter dem Namen Dollar Brand als Berufsmusiker. Was das zu Zeiten der Apartheid in Südafrika bedeutete, muss hier nicht näher ausgeführt werden. Immerhin hielt er es bis Anfang der Sechziger in seiner Heimat aus, wo er Miriam Makeba begleitete und mit den Jazz Epistles die erste nennenswerte Jazzband Afrikas gründete. Doch die internationale Anerkennung trug ihm zuhause auch Misstrauen ein. 1962 setzte er sich nach Europa ab, trat vor allem in der Schweiz und Dänemark auf und wurde 1965 von Duke Ellington entdeckt. Ellington holte Brand nach New York. An der Seite von Ornette Coleman und John Coltrane begab er sich auf ein spirituelles Gleis, das er bis heute nicht verlassen hat. Seine enge Verbindung zu Afrika ließ er niemals abreißen, aber auch in Europa und Asien suchte er unentwegt nach Allianzen. Zu seinen engsten Verbündeten zählten ab 1968 Musiker wie Don Cherry, Gato Barbieri und der legendäre südafrikanische Bassist Johnny Dyani. 1968 konvertierte er zum Islam und nahm den Namen Abdullah Ibrahim an, der im Lauf der nächsten Jahrzehnte ganz behutsam die Trademark Dollar Brand ablöste. In den siebziger und achtziger Jahren war er die Integrationsfigur für afrikanischen Jazz schlechthin. Die Abschaffung der Apartheid war auch für Abdullah Ibrahim ein Befreiungsschlag. 1994 spielte er auf der Amtseinführung Nelson Mandelas. Mit dem nachdenklichen Soloalbum „Senzo“ erweiterte er den Kontext seiner afrikanischen Roots und amerikanischen Erinnerungen zu einer globalen Erfahrung. Zu seinen Langzeitformationen gehört die Band Ekaya. Ekaya bedeutet Heimat. 1983 gegründet, nahm sich die Band der südafrikanischen Vokalmusik an und übertrug ihre hymnische Magie in den Kontext des instrumentalen Jazz. Das erste Album des Septetts trug einfach den Titel „Ekaya“. Damals waren noch die Saxofonisten Carlos Ward, Ricky Ford und Charles Davis dabei. In derselben Besetzung folgte zwei Jahre später „Water From An Ancient Well“. Die Besetzung von Ekaya hat sich seit Gründung der Band komplett verändert, nicht jedoch ihr Spirit. „In jeder Gruppe gibt es einen kontinuierlichen Prozess der Interaktion, der sich in drei Stadien vollzieht: Einige kommen, einige bleiben, einige gehen“, so der Meister. „Ekaya, Heimat, hat sich zu einer Art Institution entwickelt. Ihr Zentrum ist ein universaler Code. Egal wie weit man geht, du bleibst zu Hause.“ Cleave Guyton (Altsax, Flöte), Keith Loftis (Tenorsax), Jason Marshall (Baritonsax), Andrae Murchinson (Posaune) klingen im Verein mit Drummer George Gray, Bassist Belden Bullock und Ibrahims unverkennbarer Pianohymnik wie ein vielstimmiger Chor. Die Stücke sind Originale aus der Vergangenheit von Ekaya. Der Spirit ist derselbe, doch die Haltung hat sich verändert. Für Ibrahim fließen Vergangenheit und Zukunft in der Gegenwart zusammen. Der Slogan „Back to the Future“ hat für ihn nichts Cooles oder Abgeklärtes, er gehört zur rituellen Grundausstattung seiner Musik. So ist der Rekapitulation dieser teilweise 25 Jahre alten Songs überhaupt nichts von Revisionismus, Melancholie oder gar Selbstgefälligkeit eigen, wie man das so oft bei alten Jazz-Heroen findet. Oder mit Ibrahims Worten: „Die neuen Ekaya statten uns mit der einzigartigen Möglichkeit aus, unsere Vergangenheit zu hinterfragen, um unsere Zukunft zu entwerfen.“ Ekaya 2010 ist sparsamer und minimalistischer als frühere Ausgaben der Band. Der Kampf ist vorüber, es gilt die Erinnerung zu wahren und etwas Neues daraus zu machen. Geblieben ist die überbordende Poesie der Songs, die jedoch in einen neuen historischen Kontext versetzt wird. Nach der Fußballweltmeisterschaft 2010 wird man die Songs zu Recht anders hören als Mitte der Achtziger. Abdullah Ibrahim spricht zu einer jüngeren Hörerschaft, die 1985 noch nicht dabei war und für die Apartheid ein grausamer, aber bewältigter Teil der Vergangenheit ist. Dennoch: „Die tiefe Innere Bedeutung des Alten und des Neuen wird sich niemals verändern. Sie kristallisiert sich präzise in diesem Augenblick. Das Jetzt und Einst geht im ewigen Klang auf.“
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