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Prague / Hannover
Unverkennbar liegt Lenka Zupkova viel am originalen Streicherklang und an den mannigfaltigen Spieltechniken des tradierten Streichinstruments. Sie weiß, dass die klangliche Vielfalt und die im Vergleich zum Klavier wesentlich komplexere Tongestaltung digital kaum generier- oder transportierbar sind – ja es scheint, als sei die Welt der Vibrati, der Pizzikati, der Col-legno- oder Sul-ponticello-Spielformen noch immer zu kompliziert fürs digitale Prinzip. Daher benutzt Zupkova ihre elektrische fünfsaitige und ihre akustische Geige nicht als bloßen Impulsgeber, als Auslöser für selbstständige Klänge oder Geräusche des Computers. Sie respektiert den gewöhnlichen Violinklang. Aber sie modifiziert ihn eben auch, da sie Interesse hat an Klangerweiterungen, die bis in den Bereich wilder, ungebändigter Geräusche gehen. Zupkova erreicht das mithilfe von Programmen wie SuperCollider oder MAX/MSP-Software, die gleichzeitig dazu dient, den Raum live differenziert mit einzubeziehen. Alle Kompositionen auf dieser CD mit Ausnahme von Globokars "Kartomlin Croisé" und Köszeghys "Libertinage" sind Auftragswerke und Ersteinspielungen, da Zupkova besonders an einer engen Kooperation mit Komponisten liegt. Gemeinsam mit ihnen probiert sie neue Wege aus, erkundet neue Spieltechniken und fügt traditionelle und neuartige Spielformen experimentierend zusammen. Weitere Informationen: www.violinelenka.com
Berlin Meets Los Angeles in Concert - Villa Aurora
Der Kreis der Freunde und Förderer der Villa Aurora e.V., Berlin, vergibt im Rahmen seines Stipendienprogramms jährlich bis zu zwölf dreimonatige Stipendien in Bildender Kunst, Musik (Komposition), Film und Literatur für einen Künstleraufenthalt in der Villa Aurora in Kalifornien. Mit der Konzertreihe „Berlin Meets Los Angeles in Concert“ dokumentierte die Villa Aurora 2005 zum ersten Mal und nahezu vollständig die Arbeitsweise und das Wirken ihrer ehemaligen Stipendiaten aus dem Bereich Komposition. Auch die Werke, die in einer Auktion am 12. Dezember 2003 im „Roten Rathaus“ zu Berlin von sieben der ehemaligen Villa-Aurora-Komponistinnen und -Komponisten gespendet wurden, wurden in diesem Rahmen uraufgeführt. Sie werden auf dieser artist.cd vorgestellt.
Walking, North, North
Die Musik der japanischen Komponistin, Pianistin und Performerin Makiko Nishikaze (geb. 1968) ist geprägt von der Vorstellungen der Flüchtigkeit allen Klangs: "wind, near you" ist ein ständiges Fließen, bestehend aus Klängen, deren Resonanz und der Stille – seine Klänge sind wie Berührungen des Windes. "sanctus" verwendet den Klang der Atemluft – jene Geräusche, die entstehen, bevor sich ein Klang zur eigentlichen Tonhöhe verfestigt. "walking, north, north" ist keine narrative Schilderung einer Winterlandschaft, sondern ein Strömen von Klang und Stille. Das Fließen oder besser: die Bahn von "St. Michael’s garden" ist unvorhersehbar: Sie ist wie ein himmlischer Garten – ein Garten, den man sich zwar vorstellen kann, den man aber nie zuvor besucht hat. Die vorliegende CD mit drei Solostücken und einem Duo ist das Ergebnis einer langjährigen Zusammenarbeit Makiko Nishikazes mit dem Ensemble L’ART POUR L’ART. „Die Musiker dieses Ensembles“, so Nishikaze, „verstehen jeden Klang und jede musikalische Geste wie ihre eigene Sprache und sind in der Lage, sie zum Leben zu erwecken.“
Un lay de consolation
„Un lay de consolation“ (Ein Lied des Trostes) bezeichnet zugleich das Titelstück wie auch das Programm der Gesamtkonzeption der CD. Der Lay ist eine bemerkenswerte Kompositionsform des Mittelalters, die besonders Guillaume de Machaut zur Blüte und Perfektion brachte. Sie ist strengsten Formprinzipien von enormer zeitlicher Ausdehnung unterworfen und von solcher Faszination, dass diese beim Hören nicht direkt erfahrbar sind. Vielmehr versinkt der Hörer in der Stimmung des Liedes, wird gleichsam von einer „Scheherazade“ gefangen genommen. – Diese Prinzipien finden sich auch im inneren Zusammenhang der auf dieser CD versammelten Stücke: Alle haben historisches Material zum Ausgangspunkt, sei es inhaltlicher oder formaler Natur oder beziehe es sich auf die archaische Funktion der Flöte als eines der ältesten Instrumente der Menschheit. Selbst unter Einbeziehung neuester Technologien wird so eine Rückbesinnung auf eine der Urfunktionen von Musik als Spenderin von Trost und Freude hörbar. Alle Kompositionen dieser CD wurden für die Blockflötistin Ulrike Volkhardt geschrieben.
New Memories
Der am Anfang der weltgeschichtlich einmaligen Pandemie-Kulturpause gestorbene russische Komponist Nikolai Kapustin (1937-2020) konnte in seinen beiden letzten Jahrzehnten eine beachtliche Wertschätzung erleben, die zuletzt immer mehr Fahrt aufnahm. Selbst bestem sowjetischen Klavierpädagogik-Hochadel entstammend – Kapustin war Schüler eines Schülers von Horowitz‘ Lehrer Blumenfeld und studierte dann bis 1961 bei dem großen Alexander Goldenweiser –, blieb ihm in der Sowjetunion die große Anerkennung versagt. Wie bei vielen großen Klavierkomponisten seit Chopin eignet sich der Zyklus von Konzertetüden aus der Mitte seines Lebens besonders für eine Einführung in diese Werkwelt. Der für Kapustin typische Bezug zum Jazz, der ihm vermutlich in den Sowjetjahren größeren Erfolg verwehrt hatte, beruht auf hochgradig individueller, bewusster Anverwandlung von Stilelementen. Jazz-Größen wie Ellington, Basie, Cole, Garner, Peterson u.a. lernte er durch Platten und über das Radio kennen und griff sich heraus, was ihm taugte. Interpretatorisch erfreut der ausgesprochen sensible, eben nicht wie so oft monoton hämmernde Zugriff des auch an Jazz geschulten chinesischen Pianisten A Bu, der seine Affinität zu Kapustins Musik durch zwei Proben eigenen Schaffens vorführt. Als liebe- und wertvolle Zugabe zur Aufnahme kann man die vom jungen A Bu im Beiheft erzählte und mit Fotos illustrierte Geschichte seiner Bekanntschaft Kapustin in Moskau genießen.
Die Kunst des Tempokanons
Auf der CD "Conlon Nancarrow - Martin Schlumpf: Die Kunst des Tempokanons" finden sich 14 Bearbeitungen von Studies for Player Piano des 1997 verstorbenen amerikanischen Komponisten Conlon Nancarrow. Das Ziel der vom Schweizer Musiker Martin Schlumpf hergestellten MIDI-Bearbeitungen ist die Verdeutlichung und Intensivierung wesentlicher inhaltlicher Aspekte des Nancarrow'schen Klavierklangoriginals durch eine "Neuinstrumentierung" via MIDI-Klänge durch den Computer. Schlumpf ist im Gegensatz zu anderen Bearbeitungen, deren Ausgangspunkt die Walzenrollen waren, von den schriftlichen Grundquellen (Stanzvorlagen und Reinschriften) ausgegangen und hat daraus sozusagen das musikalische Skelett der Studien (Tonhöhen und Tondauern) in den Computer eingelesen. Damit war der Weg frei für umfangreiche Bearbeitungsschritte, die sich auf Fragen des Tempos, der Dynamik, der Artikulation, der Panoramaplatzierung und vor allem der Klangfarbe bezogen. Entstanden ist so ein faszinierend neues "Outfit" der bahnbrechenden kanonischen Studien Nancarrows.
Beethoven / Rieks / Prokofjew
Meilensteine der Klavierliteratur auf der Debüt-CD des 17-jährigen Pianisten und Komponisten Franz Ferdinand August Rieks: Beethovens Waldsteinsonate, Prokofjews Sonate 7, dazu Rieks Klavierwerk op. 48 – anspruchsvollste Werke aus drei Jahrhunderten als virtuos-ästhetisch ausgefeilte Setzung live eingespielt. Dieser von Energie, jedoch auch von kontrolliert-filigraner Anschlagskultur strotzende Rausch klingt in einer melancholisch-klangfarbenreichen Improvisation des Interpreten aus; Rieks scheint schon mit allen Wassern gewaschen zu sein. Sei es beim Steinway-Klavierspielwettbewerb oder in New York, wo sein Klavierwerk op. 48 den ersten Preis des International Composition Competition New York gewann, beim Lucerne Festival, beim Young Pianists Festival Amsterdam oder bei den Berliner Philharmonikern: Rieks’ künstlerische Gestaltungskraft als komponierender Pianist bzw. konzertierender Komponist lässt auf eine strahlende Zukunft hoffen und darf Sie jetzt zuerst einmal in das höchste Niveau der Klavierkunst eintauchen lassen. Sowohl als Komponist als auch als Pianist arbeite ich filigran am Klang. Es geht mir nicht darum, musikalisch-ästhetische Konflikte aufzuzeigen, sondern diese durch kreative, von allen Seiten inspirierte Klangarbeit hinter mir zu lassen, um die Musiker, das Publikum und mich selbst mit greifbar anspruchsvoller Musik auf natürliche Weise zu bewegen. (Franz Ferdinand August Rieks)
Stimmhaft
Von jeher besteht eine innige Verbindung zwischen der menschlichen Stimme und der Flöte. Im Unterschied zu den anderen Blasinstrumenten fehlen der Flöte das Mundstück, das Labium im Instrument, so dass die Klangerzeugung ähnlich der Stimme unmittelbar vom Spieler hervorgebracht werden muss. Überall dort in der Welt, wo die Querflöte in archaischen Musiken ihren Platz hat, trifft man auf die große Affinität zwischen Sing- oder Sprechstimme und dem Flötenspiel. Stellten in der Musik der vergangenen 300 Jahre generell für alle Instrumentalisten eine wundervoll geführte Singstimme und ein sprechender Erzählgestus das Vorbild schlechthin dar, so entdeckt die Musik des 20. Jahrhunderts die Nähe im Klang von Flöte zu Stimme neu: Atem, Ein- und Ausschwingvorgänge, Farbreichtum, die Schönheit der Gefährdung. An der Assoziationskette Sprache – Stimme – Schrift – Text(ur) – Ton entlang wandernd treffen die Hörer nun auf sechs ästhetisch denkbar unterschiedliche Werke, die auf einen oder mehrere Aspekte des Weges ein Licht werfen. Man hört einen Notentext, bedeutungsfrei und entschieden nicht-narrativ wiederzugeben, ein Duo für Einen, Chor, das Aufdecken tiefer Schichten von übereinander lagernden Musiken, das Lesen hastig hingekritzelter Schrift, Textur, die durch Sprach- und Stimmeinfärbung im Flötenton und durch Einspielungen im Instrument entsteht, man hört eine Gedichtvertonung – ausgewählt und aufgeführt von der Flötistin Astrid Schmeling. Pressestimme «... Eine sehr spannende Produktion aus diesem Bereich hat die Flötistin Astrid Schmeling mit ihrer CD ‹stimmhaft› vorgelegt. Der Titel ist gleichsam Programm, geht es hier doch um die Erweiterung instrumentaler Gestaltungsmöglichkeiten durch den Einsatz von Stimmaktionen. Es ist vor allem Schmelings an die jeweilige Komposition angepasste Virtuosität, die an dieser Veröffentlichung fasziniert, fast schon körperlich greifbar beim Vortrag des in Gestalt zweier unabhängiger Schichten ablaufenden Kontrapunkts von Flöte und Stimme in Vinko Globokars ‹Monolith› (1976). Die Umsetzung von Klaus K. Hüblers ‹Palimpsest – Konjektionen› für Bassflöte (1989/2003) frappiert durch eine sorgfältig gestaltete Vermittlung von raumgreifenden Registerkontrasten und engen mikrointervallischen Tonraumbewegungen, während die Wiedergabe von Ernstalbrecht Stieblers ‹TEXT› für Bassflöte und Klangverzögerung (1998) aufgrund dynamischer Spannung und sensibler Behandlung von mehrstimmigen Texturen für sich einnimmt. Der originellste Beitrag zu dieser Platte ist freilich Matthias Kauls Stück ‹White Noise’n Colours› für Bassflöte mit Talkbox (2006), in dem vorproduzierte Einspielungen in das Flötenrohr geleitet werden, die Schmeling dann durch Anwendungen von Flötentechniken verändert.» Stefan Drees in positionen 77 (November 2008)
Neolithic Brass
Steffen Krebbers Musik fragt nach Zusammenhängen – nach kompositorischen, semiotischen und medialen. In diesem Sinne reflektiert seine Porträt-CD inkl. DVD der Reihe EDITION ZEITGENÖSSISCHE MUSIK sogar sich selbst als Trägermedium, das weit mehr ist als nur eine Speichermöglichkeit unter vielen. Auf musikalischer Ebene bilden Bezüge und Verknüpfungen zwischen Materialien, Stilen und Formen verschiedenster Ausprägungen einen zentralen Aspekt von Krebbers Arbeit. Der in Stuttgart geborene Komponist spricht in diesem Zusammenhang von einem „netzwerkenden Gemenge“. Seiner Auffassung nach sei heutzutage „die Trennung von Medien und Sparten aufgebrochen, auch wenn sich das erst nach und nach realisiert. Alles überlappt sich referenziell und sprengt seine ehemals gegebenen Rahmen.“ Klangliche Materialien greifen ineinander, pausenlos entstehen dadurch neue Relationen, etwa in der Reihe „Konfusionen“, die auf der Porträt-CD gleich dreifach vertreten ist. Darin treffen Einflüsse aus unterschiedlichen Räumen und Zeiten aufeinander: Papua-Neuguinea und Gabun, Renaissance und Gegenwart. Aus den unterschiedlichen Elementen formen die Interpreten – darunter Ensemble Garage, LUX:NM und Sonar Quartett – vielfältige musikalische Organismen. Mal scheinen sie aus Erinnerungen, mal aus Zukunftsvisionen zu bestehen. Und doch handelt es sich ausdrücklich um musikalische Wesen des Hier und Jetzt. Video-DVD: Tonformat: Dolby Bildformat: 16:9 DVD-Format: DVD 5 Ländercode: (0) PAL Laufzeit: 15 Min. INFO-Programm gemäß § 14 JuSchG CD: Koproduktion von Winfried Ritsch und Steffen Krebber (1) Koproduktion von Deutschlandfunk und Deutscher Musikrat gemeinnützige Projektgesellschaft mbH (2, 3, 5, 6, 10) Koproduktion von Deutschlandradio Kultur und Deutscher Musikrat gemeinnützige Projektgesellschaft mbH (4, 9) Koproduktion von Stichting Huygens-Fokker und Steffen Krebber (7) Koproduktion von Steffen Krebber und Ensemble Praesenz (8) DVD: Koproduktion von Deutschlandfunk und Deutscher Musikrat gemeinnützige Projektgesellschaft mbH (1, 2)
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